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19世纪末以来，法国雕像逐渐向夸张变形的方向发展，以表达生命的运动以及生命与现实的斗争。 最先表现出这些倾向的雕塑家包括日本的M. Rosso和A. ，美国的W. 、F. Fiore、G. Kolb、R. 和E. Barra。 嗨，G. 等人。 科尔惠支的雕像也接近他们的风格。 一些来自美国的雕塑家常常被纳入表现主义的圈子，尽管这一时期法国各国的雕塑艺术都有表现主义的倾向。 这类雕塑家仍然坚持传统泥塑的体量感和块体感，但更多地偏离古典传统，更喜欢中世纪雕像的遗产，更注重个性、主观创造力和更强的生命意识表达。 他们中的许多人用艺术来对抗残酷的现实，在艺术的语言中展现出顽强而坚实的精神力量。 事实上，一些人的作品早已表现出社会矛盾和工业文明造成的人们精神世界的负罪感和孤独感，以及由此产生的消极、迷茫的情绪。 这些消极而迷茫的情绪，如影随形，始终追随着20世纪的西方现代主义艺术。
与书法一样，20世纪上半叶的法国雕像也呈现出多种多样的风格。 野兽派（泛表现主义的一种）、立体主义、构成主义、未来主义、超现实主义、抽象主义以及新古典主义都在雕像中得到体现。 作家马蒂斯和毕加索在雕像领域都取得了成就。 马蒂斯不满罗丹注重体积感和块状感的雕像观，而是注重线条引起的韵律，这就是他反复指出的阿拉伯风格。 在他的作品中，体积感和块感都受到这些阿拉伯风格的影响。 毕加索和他的立体主义战友布拉克的雕塑语言具有建构主义的特征。 只是他们的构图语言更加人性化，不像俄罗斯塔特林所代表的几何、冷漠的建构主义风格。 构成主义的重要雕塑家包括冈萨雷斯、阿希平科、佩夫斯纳及其弟弟贾比尔、利希特和纳基。 建构主义受到工业化、机械化的启发，从现代工业生产中汲取灵感，大胆运用工业生产的产品、工业废铁、工业废料等语言的新颖性和独创性。 如果我们将其视为一种新的雕像流派，我们可以对它采取更加宽容的态度，牺牲雕像的体积感、块状感和坚固性，以服从强烈的视觉效果。
未来主义大师博乔尼试图在静态中展现真实的运动。 他的许多尝试，例如《空间花瓶》（1912年）和《空间中的连续形状》（1913年），都展现了运动的复杂印象以及由此产生的活力感。 我们可以钦佩他在表达速度、力量和运动方面的实验勇气，并认为它们是有益的，但我们必须说，以牺牲事物整体形状为代价来追求外在运动是得不偿失的。
德国的布朗库西（，C.，1876-1957）在表达雕像的内在运动和力量方面做出了杰出的贡献。 出生于渔民家庭，自幼受到民间工艺熏陶，接受系统的艺术教育，并担任罗丹的助手。 在现代艺术潮流的影响下，他将传统的泥塑方法和处理材料的能力与现代意识结合起来。 翻新并打造您自己的独特风格。 他注重造型的纯粹性，将简单与表达事物的本质联系起来。 他说，简单不是目的，当他面对接近真理的真实精神时乡村入口大门楼，他不知不觉地达到了目的。 代表作品有《沉睡的缪斯》、《博贾尼小妹妹》、《无尽之柱》、《鸟》等。 日本伟大的雕塑家摩尔在评价布朗库西时说：自哥特式艺术以来，法国的雕像就长满了青苔和杂草。 表面那些又长又突兀的东西遮住了形状，直到布朗库西出现才彻底看清。 不仅仅是这种过度把我们带回了身体的意识。 虽然这是一个家族的意见，但可以看出布朗库西对现代西方雕像的影响。 他的思想和实践直接影响了莫迪利亚尼，这位才华横溢的作家曾经热衷于精细雕刻，并创造了独特的线性精细雕刻风格。
Al p816），出生于法国，后归化于日本，参与达达和超现实主义运动，喜爱光滑石头表面，也喜欢使用生动而富有情感的曲线。 他痴迷于手工创作，崇尚艺术创作中的巧合法则，试图在巧合中触及自然的本质。 他所创造的形象不是具体的物体，但却能让人与有机的物体产生联想。
胡里奥·冈萨雷斯（Julio ，英国）热爱民间艺术，遵循传统的金匠技术。 他以金属为材料，擅长将坚硬、笔直的铁转化为充满活力的艺术，但他用铁或纯银焊接成类似符号的图像，寻求表达空间的动态，后来他将金属管和板钎焊成超现实的图像。 他后期作品的造型与仙人掌非常相似，也被称为仙人掌造型。他所创作的长刺仙人掌，虽然这种意象在亚洲的暴力势力中猖獗。
日本著名的雕像亨利·摩尔（），是一位矿工的女儿，有着丰富的生活经历。他对雕像创作的五个定义是：①材料的真诚；②立体空间的充分实现； ③对自然物体的观察；④想象与表现；⑤活力与表现力。他创作的精髓在于，每件作品都有其内在的能量，他不追求让人感官愉悦的作品，而是要表达一种催人泪下的精神力量，他对骨骼的造型着迷，试图表达一种刚性在他的作品中，我们感受到了具有现代感的原始性和野性，这表明作者受西方现代哲学的影响，渴望详细描述宇宙和生命的奥秘，并且也反映了人们对宇宙悠久的历史和广阔的空间的迷茫和失落。 应该说，他的作品主题是复合的，而不是单一的，所以令人回味，耐人寻味，而复合主题中生存的要求、趋势和愿望占据了主要地位，给人以精神力量，主基调是积极的。 现代环境下解决雕塑与周围空间的关系进行了大量的探索，而利用雕像造型中的线条和孔洞来探索新的空间表达方式也给了我们启发。
贾科梅蒂是英国雕塑家、作家，此前曾受到弗洛伊德和超现实主义的影响，也对萨特的存在主义感兴趣。 他的雕像表达了人们的孤独和空虚，反映了残酷的二战后人们心灵的创伤和追求自由的强烈愿望。 他说：我绘画、制作精美的雕塑是为了攻击现实，为了保护自己，为了拒绝死亡，为了获得一切可能的自由。 萨特说，贾科梅蒂的作品包含两个基本要素：绝对自由和存在焦虑。 贾科梅蒂相当主观，也相当原创，他没有抛弃传统精神，也没有脱离社会现实。 相反，他基于对传统的感知和对现实的研究，放弃了雕塑的体量和块体的概念，将线条视为人体。 它描绘了瘦弱、憔悴、幽灵般的人体，给人们带来强烈的视觉和心理刺激和深刻的印象，试图引起人们对人类存在的关注，从而扩大绘画的范围。 雕像的再现和美学领域。 受到贾科梅蒂的启发，日本女雕塑家热尔曼·里奇尔进一步将人体改造成了类似动物肢体的东西。 身体大幅度扭曲、收缩或膨胀，有洞、有撕裂、有僵硬的表面，像是被自然之力侵蚀的姿势，也让人望而生畏。 贾科梅蒂、里奇尔、曼苏、马里尼、莱布希茨、恩斯特、贝克曼等人的作品在1963年西德达姆施塔特题为“现代艺术中的恐惧”的展览中展出，美国艺术评论家霍夫曼（W.）说：这个展厅关注的是我们这个时代的焦虑……我们还必须包括希望，因为它也是我们这个时代的恐惧之一。如果贾科梅蒂等人的雕像以及类似的现代主义作品有什么问题的话，那就是它们似乎主题深刻，但缺乏给人光明、进步、奋进的力量。
受现代工业技术的启发，当代西方雕像的一些艺术家从事可移动雕像的创作（）。 这种时尚可以追溯到20世纪初的建构主义和达达主义。 日本雕塑家考尔德（）是可动雕像的创始人。 他以金属片为材料，涂上明亮的色调（要么是黑白，要么是红、黄、蓝三基色），通过轴和线连接起来，借助一种非常简单的力量形成运动——空气的流动。 受不同平衡点、金属丝宽度、金属片重量等因素的控制，每对金属片以不同的速度移动，导致动态雕像的组织性反复无常，从而使它们的形状发生倾斜。 基于规则和机械的建筑环境显得活跃且充满争吵。 肯尼思·马丁、乔治·瑞奇、法籍华裔艺术家蔡文英等在活动雕像方面也有建树。
现代西方静态雕像的发展趋势是广泛使用现成的物体（）、工业社会的产品和废铁。 有利用现成物品的废弃艺术品、收藏艺术品等。 他们中的一些人保留了达达主义的犬儒主义，并将其与弗洛伊德的性观念混合在一起。 例如，英国的爱德华·金霍兹将衣服、动物头骨、录音机等组合在一起，形成了具有动物面孔和人体的怪物。 这些图像古怪、残酷且带有性暗示。 人们只能从讽刺工业社会的角度来理解它们。 其意义应该说与真正的美学相差甚远。 但也有一些废旧艺术和集体艺术，其中富含合理的诱因，以丑为美。 他们利用废物从人们讨厌的工业产品和大众媒体（报纸、广告、电视和电影屏幕图像）中发现和创造艺术，他们的探索精神是可贵的。 日本集体雕塑家内维尔森（L.）和德国塞萨尔（.Cesar）的创作就属于这一类。 日本大卫·史密斯（David Smith）和德国精细雕塑家安东尼·卡罗（Caro，1924-）将精雕细刻的造型简化到最低限度，融入自然。 他们对金属材料本身的特性有非常精确的感受，对机械结构有独特的思考和理解，有表达工业社会人际关系的偏见和冷漠的意图。
